Percepción: Leyes de la Gestalt

El hombre adquiere conciencia de sí mismo 

y del mundo que le rodea

por medio de sus sentidos.

Las "Leyes de la Gestalt" o "Leyes de la percepción" o "Teoría de la Forma" fueron enunciadas por los psicólogos de la Gestalt: Max Wertheimer, Wolfgang Köhler, Kurt Koffka y Kurt Lewin en Alemania a principios del siglo XX) quienes, en un laboratorio de psicología experimental, demostraron que el cerebro humano organiza los elementos percibidos en forma de configuraciones (gestalts) o totalidades recurriendo a ciertos principios. 

El término Gestalt proviene del alemán y fue introducido por primera vez por Christian von Ehrenfels. No tiene una traducción única, aunque se entiende generalmente como 'forma'; sin embargo, también podría traducirse como 'figura', 'configuración', 'estructura' o 'creación'.

La teoría de la forma (Gestalttheorie) continua siendo uno de los aportes esenciales al conocimiento de las imágenes por su esfuerzo sistemático para captar el fondo como una entidad diferente y mayor a la suma de sus partes, oponiendo la forma al fondo, en un movimiento dialéctico, primera etapa de una doctrina sobre la integración visual y perceptiva de estímulos diferentes.

PROCESO DE LA PERCEPCIÓN VISUAL:

LEYES DE LA GESTALT o
TEORÍA DE LA FORMA (VISUAL)

Selección tomada de la obra de Abraham A. Moles "La Imagen. Comunicación Funcional".

1.LEY DE LA TOTALIDAD: El todo es diferente a la suma de sus partes.

2. LEY DE LA ESTRUCTURA: Una forma es percibida como un todo, independientemente de las partes que la constituyen.

3. LEY DIALÉCTICA: Toda forma se desprende sobre un fondo al que se opone. Es la mirada quien decide si "x" elemento del campo visual pertenece a la forma o al fondo.

4. LEY DEL CONTRASTE: Una forma es mejor percibida en la medida en que el contraste entre el fondo y la forma sea mayor. El contraste puede ser de forma, tamaño, color, valor, dirección, textura o tratamiento.

5. LEY DE CIERRE: Una forma será mejor percibida, cuanto más cerrado esté su contorno.

6. LEY DE LA COMPLECIÓN: Si un contorno no está completamente cerrado, la mente tiende a cerrarlo, incorporando los elementos que son más fáciles de incluir. Es el principio por el que el ojo tiende a cerrar formas abiertas o incompletas, siempre y cuando tengan una buena estructura. A estas formas se les conoce como imágenes virtuales.

7. NOCION DE PREGNANCIA: La pregnancia (Prägnanz) es la cualidad que caracteriza la fuerza de la forma, que es la dictadura que la forma ejerce sobre el movimiento de los ojos así como su capacidad por imponerse en la mente y en el recuerdo. El concepto "pregnancia" se relaciona, también, con la idea de "impregnación", es decir, aquello con lo que nos quedamos "impregnados" cuando miramos. Es la forma cargada de información.

8. PRINCIPIO DE INVARIANZA TOPOLÓGICA: Una forma resiste a la deformación que se le aplica, y lo hace de mejor manera cuando su estructura está mejor definida y su pregnancia sea mayor.

9. PRINCIPIO DE ENMASCARAMIENTO: Una forma resiste a las peturbaciones (ruido, elementos parásitos) a las que está sometida. Esta resistencia será mayor mientras más configurada y pregnante sea la imagen.

10. PRINCIPIO DE BIRKHOFF: Una forma será tanto más pregnante, cuanto mayor sea  el número de ejes que posee.

11. PRINCIPIO DE LA PROXIMIDAD o DE LA CERCANÍA: Los elementos del campo perceptivo que están aislados pero que mantienen una tensión espacial adecuada, tienden a ser considerados como grupos o formas globales.

12. PRINCIPIO DE MEMORIA o DE LA EXPERIENCIA: Las formas son tanto mejor percibidas por un organismo cuanto mayor sea el número de veces que hayan sido presentadas a ese mismo organismo en el pasado.

13. PRINCIPIO DE JERARQUIZACIÓN: Una forma compleja será más pregnante cuando la percepción del receptor esté mejor orientada de lo principal a lo accesorio; es decir, que sus partes estén mejor jerarquizadas.

Además de la selección realizada por Abraham Moles, existen otros principios o leyes gestálticas:

PRINCIPIO DE SEMEJANZA O SIMILARIDAD: Nuestra mente agrupa los elementos similares en un campo de elementos equidistantes, aquellos que tienen mayor similitud por su forma, tamaño, color, dirección y otros aspectos visuales se perciben ligados entre ellos para formar una cadena o grupos homogéneos.

LEY DE LA SIMPLICIDAD: En un campo gráfico dado, las figuras menos complejas tienen una mayor pregnancia. Una figura simple es aquella que necesita un menor número de grafemas para construirla: menos segmentos de rectas, menos curvas, menos ángulos, menos intersecciones.

LEY DE LA CONCENTRACIÓN: (llamada también de simetría, de equilibrio y de inclusión):

Los elementos que se organizan alrededor de un punto central, que es su núcleo, constituyen en todos los casos una forma pregnante.

LEY DE LA CONTINUIDAD: Los elementos que se desarrollan siguiendo un eje continuo constituyen una forma pregnante.

Referencias:

Abraham A. Moles "La Imagen. Comunicación Funcional"

http://www.aloj.us.es/galba/DIGITAL/CUATRIMESTRE_II/IMAGEN-PAGINA/1codigos1.htm

http://www.guillermoleone.com.ar/leyes.htm

Artículo: Claudio Gallego

EL NIÑO CREATIVO

QUE LLEVAMOS DENTRO

Artículo publicado por CLAUDIO GALLEGOS en FORO ALFA

Claudio Gallego. Docente, profesional especialista en Director, Medios, Planeamiento, con 18 años de trayectoria. Estudió en la Universidad de Alicante. Trabaja en la Agencia de publicidad Estilo y Diseño. Medellín (Antioquia) Colombia.

Cómo mantener encendida la chispa creativa que supimos tener cuando éramos niños.

Según los entendidos, la creatividad aparece un segundo por cada hora de nuestras vidas. No es que la gente no sea creativa, lo que sucede es que no siempre se le presta la atención necesaria a ese segundo de inspiración. Muchas veces se deja pasar la oportunidad de la hora, de la vida. Por otra parte, cada persona tiene una inspiración creativa diferente y cada quien la encuentra de diferentes maneras: escuchando música, ingiriendo licor, tomándole el pelo a los demás, mirando TV, entre muchas otras. Usted se preguntará: ¿Cuál es la forma en la que mejor activo mi creatividad?

Definitivamente la niñez es la cúspide de la creatividad, pues no se está limitado por nada. Los niños son los seres más éticos, transparentes, amigables, espontáneos, amorosos, tiernos, incondicionales y soñadores. Nunca dejan de crear con todo lo que ven, tocan y escuchan. En ese sentido, los creativos deberíamos ser «niños».

Existen muchas técnicas para producir ideas y recuperar la creatividad característica de los niños. Resulta extraño que haya creativos a los que no se les ocurra nada. ¿Tal vez desconozcan la larga lista de herramientas que tenemos a la mano para poder estimular nuestra creatividad?:

• Mapas mentales
• Arte de preguntar
• Brainstorming
• Relaciones forzadas
• Listado de atributos
• Analogías
• Biónica
• Crear en sueños (Sleep writing)
• Método DELFOS
• Análisis morfológico
• Solución creativas de problemas en grupo
• Técnica clásica, fases del proceso creativo
• Relajación
• El pensamiento mediante imágenes: la visualización
• Mitodología. El aprendizaje del proceso creativo a través de los mitos de Grecia y Roma antiguas
• Tabla comparativa entre técnicas de creatividad
• IDEART
• TRIZ (Teoría de la resolución de problemas inventivos)
• CRE-IN.
• 4 X 4 X 4
• Técnica de Da Vinci
• Seis sombreros (sombreros para pensar)
• Provocación
• Programación neurolingüística
• Do it novedad
• Estratal novedad
• Método 635
• etc.

Lo cierto es que un adulto muy creativo es aquel que no ha dejado escapar al niño que alguna vez fue. Cuando entendamos lo que los adultos podemos aprender de los niños, habremos conquistado el mundo de la creatividad. He aquí algunos consejos para tratar de seguir siendo aquel niño creativo: 

1. Adáptate y sé flexible en lo que hagas.
2. Olvídate de las reglas, prejuicios y comportamientos sociales.

...

Continuar leyendo este artículo publicado en FORO ALFA: 

http://foroalfa.org/articulos/el-nino-creativo-que-llevamos-dentro

Maestros: Miguel Ángel Buonarroti

MIGUEL ÁNGEL
UNA PASIÓN SIN LÍMITES


"El deber de toda persona es alcanzar continuamente la perfección".

Miguel Ángel Buonarroti. Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564.

Genio, artista, llamado 'El Divino' por sus contemporáneos, es el símbolo del renacimiento y una inspiración para la humanidad.

Un espíritu apasionado que utilizó todos los medios para expresarse: el mármol, la pintura, la arquitectura y la poesía.

Según el propio Miguel Ángel, su gran inclinación artística le venía ya de la nodriza que había tenido, que era mujer de un picapedrero. De ella comentaba: "Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras".

A los trece años entró al taller del maestro Ghirlandaio con quien permaneció como aprendiz en el arte de la pintura durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médici, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas.

Cuenta Goirgio Vasari, su primer biógrafo, que en una ocasión, Miguel Ángel tomó un pedazo de mármol y se puso a copiar la cabeza de un viejo fauno, escultura antigua ya muy estropeada que tenía la nariz rota y sonreía. Miguel Ángel, que jamás había tocado un pedazo de mármol ni un cincel, la imitó de un modo tan perfecto, que suscitó el asombro de Lorenzo el Magnífico que luego de observar que Miguel Ángel no se había limitado a copiar tal cual esa escultura antigua, sino que le había esculpido la boca entreabierta por la cual asomaban la lengua y los dientes, con su habitual y suave ironía le dijo: "Deberías saber que los viejos nunca tienen todos los dientes, siempre les faltan algunos”. Entonces Miguel Ángel le rompió un diente y cinceló la encía, para que pareciera que se le había caído. Esperó ansiosamente el regreso del Magnífico, que, al volver y ver la sencillez de Miguel Ángel, mandó llamar a Ludovico, el padre de Miguel Ángel, para pedírselo, diciendo que lo quería tener como uno de sus hijos.

En su juventud mostró su profunda admiración por la anatomía, que lo llevó a investigar por sí mismo acudiendo casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana.

 El arte de Miguel Ángel reside en la composición de sus figuras en impetuosos movimientos. Podía visualizar las figuras contenidas en el bloque de mármol y su labor como escultor era la de quitarle al bloque lo que le excedía, es decir descontar lo necesario de él hasta que emerjan esas figuras contenidas en su interior. El propio Miguel Ángel lo expresa con las siguientes palabras: "Vi al ángel en el mármol y tallé hasta que lo dejé en libertad".

Una de sus primeras esculturas fue el Combate de los centauros contra los Lapitas, relieve de mármol (1490), es la primera muestra de un gran talento. Entre 1497 y 1499 realizó en Roma una Piedad en mármol; volvió a Florencia en 1502 donde pintó el Tondo Doni y esculpió su célebre David. En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II, quien le pidió la realización de su sepulcro, y erigió el Moisés y los Esclavos (1515-1516). 

En 1508 el papa le encargó la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, tarea que  aceptó a regañadientes porque no confiaba demasiado en su talento pictórico. Pero en verdad la enorme bóveda es una de las mayores empresas artísticas de todos los tiempos, 900 metros de superficie que lo agotaron mental y físicamente. 

Durante su última estancia en Florencia (1520-1534) esculpió las grandes figuras de la capilla funeraria de los Médici en la iglesia de San Lorenzo: El crepúsculo y La aurora, El día y La noche, dominadas por las estatuas de Julián (La Acción) y de Lorenzo de Medici (La Contemplación). 

Se estableció en Roma en 1534, volviendo a la Capilla Sixtina, donde  trabajó en los frescos del Juicio final. Proyectó la cúpula de San Pedro, e hizo los planos de la plaza del Capitolio de Roma. Los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro manifiestan una ruptura respecto a todos sus predecesores, con la creación de la planta que en el exterior tendría colosales pilastras corintias y la Cúpula sería el punto sobresaliente, ésta cautivó a Miguel Ángel desde 1557 hasta su muerte y contra sus deseos, no llegaría a contemplarla definitivamente acabada. 

Miguel Ángel vivió agobiado y atormentado porque aunque trabajó por encargo para los más poderosos tuvo que soportar estrecheces económicas toda su vida, y decía:"Vivo cansado a causa de los formidables trabajos y perseguido por mil angustias". Se volvió más solitario e introspectivo.

En su vejez, cansado de los hombres y desencantado del mundo, la lozanía y fortaleza de sus composiciones derivó hacia un misticismo desgarrado, que sin embargo para muchos dió como resultado algunas de sus mejores obras.

Referencias:

Giorgio Vasari "Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos"

http://www.sjarre.com.ar/2012/05/la-vida-y-obra-de-michelangelo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel

http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm
http://porelamoralarte.blogspot.com/2012/03/miguel-angel-buonarroti.html
http://www.arteespana.com/miguelangelbuonarroti.htm

Artículo: María Eugenia Guerra Meza

GYORGY KEPES, 

ELEMENTOS PARA UNA GRAMÁTICA VISUAL

Artículo publicado por MARÍA EUGENIA GUERRA MEZA en FORO ALFA

María Eugenia Guerra Meza. Diseñadora gráfica, profesional especialista en Semiótica, con 32 años de trayectoria. Docente e investigadora en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, México.

En su obra magistral, 
«El lenguaje de la visión», 
el artista, diseñador e investigador Gregory Kepes, especialista en imagen y percepción, expone sus experiencias en estos campos.

Para Gyorgy Kepes la imagen plástica es un organismo vivo, una totalidad determinada por la conducta de cada una de sus partes, un sistema que sólo alcanza su unidad dinámica a través del equilibrio, el ritmo y la armonía. Considera que la percepción de una imagen es por sí misma un acto creador, pues su experimentación es resultado de la interacción entre las fuerzas externas e internas del individuo, y al sistema nervioso le corresponde organizar los impactos procedentes del exterior.

«La imagen plástica como experiencia dinámica se inicia con la energía lumínica que fluye a través del ojo del espectador y pasa a su sistema nervioso». (Kepes, 1969, Pág. 28)

La energía lumínica de los pigmentos se articula sobre una superficie gráfica, su naturaleza determina la base de las sensaciones de luz y color: el brillo, el matiz y la saturación; su delimitación formal establece la base física para la percepción de superficies y sus formas. Un punto, una línea, una superficie, son fuerzas de atracción visual que existen y actúan sobre el campo óptico, el cual se percibe inseparable de las diferentes unidades visuales presentes, en conjunto, no como unidades aisladas. Todos estos elementos que actúan como fuerzas ópticas de atracción conforman el lenguaje de la visión.

Un valor de brillo o un color pueden intensificarse o disminuirse, dependiendo del resto de las superficies de la composición. Lo mismo es cierto en cuanto a la textura, los tamaños y las formas. Por ejemplo, una forma ligeramente irregular se percibe marcadamente irregular cuando se encuentra entre figuras perfectamente regulares.

Debido a esto, no se puede hablar de cualidades absolutas de color, brillo o saturación, ni de medidas absolutas de tamaño, extensión o forma, pues cada elemento extrae las características de su interrelación dinámica con los demás elementos de la composición. Los márgenes de matiz, valor y saturación y la escala de medida geométrica son mucho más limitados dentro de la superficie gráfica que del mundo visible, por lo que sólo mediante el trabajo creativo, manipulando y aprovechando estas relatividades es que puede crearse una imagen que corresponda a la «vitalidad del mundo visible». (Kepes, 1969, Pág. 29)

Cuando alguien observa un paisaje, personas u objetos en la calle, hace una interpretación espacial de lo que ve: su ubicación, extensión, posición, dirección e intervalos, a partir de establecer una relación consigo mismo; en cambio, el campo visual de una imagen gráfica se limita a las dos dimensiones del plano. En este caso se evalúa cada unidad óptica (dirección, posición, intervalos) de acuerdo a los márgenes; así, los elementos parecen avanzar o retroceder, se mueven a la derecha, izquierda, abajo o arriba, según la posición que ocupan en el plano gráfico.

Al percibir una imagen, inconscientemente se organizan las diferentes sensaciones atribuyéndoles un significado, determinado por las relaciones de los signos entre sí y con respecto a la superficie gráfica.

Kepes expone lo que es importante conocer antes de empezar a utilizar el lenguaje de la comunicación visual: «aprender la mayor variedad posible de sensaciones espaciales inherentes en las relaciones de las fuerzas que actúan en la superficie gráfica», (Kepes, 1969, Pág. 35) ya que así como a partir del limitado número de letras del alfabeto se pueden formar innumerables palabras que expresan significados, también los elementos gráficos y sus cualidades ópticas pueden ser combinados de diversas formas y cada variación posible genera una sensación de espacio diferente y transmite un significado distinto.

La superficie gráfica contiene su propia energía; asimismo el color, el valor, la textura, el punto y la línea irradian diferentes cantidades de energía. Por eso, las líneas rectas o curvas, en relación horizontal, vertical o diagonal con respecto al margen, obligan al ojo a explorar la superficie de una forma determinada de antemano por su creador.

...

Continuar leyendo este artículo publicado en FORO ALFA: 

http://foroalfa.org/articulos/gyorgy-kepes-elementos-para-una-gramatica-visual