Artículo: Claudio Gallego

EL NIÑO CREATIVO

QUE LLEVAMOS DENTRO

Artículo publicado por CLAUDIO GALLEGOS en FORO ALFA

Claudio Gallego. Docente, profesional especialista en Director, Medios, Planeamiento, con 18 años de trayectoria. Estudió en la Universidad de Alicante. Trabaja en la Agencia de publicidad Estilo y Diseño. Medellín (Antioquia) Colombia.

Cómo mantener encendida la chispa creativa que supimos tener cuando éramos niños.

Según los entendidos, la creatividad aparece un segundo por cada hora de nuestras vidas. No es que la gente no sea creativa, lo que sucede es que no siempre se le presta la atención necesaria a ese segundo de inspiración. Muchas veces se deja pasar la oportunidad de la hora, de la vida. Por otra parte, cada persona tiene una inspiración creativa diferente y cada quien la encuentra de diferentes maneras: escuchando música, ingiriendo licor, tomándole el pelo a los demás, mirando TV, entre muchas otras. Usted se preguntará: ¿Cuál es la forma en la que mejor activo mi creatividad?

Definitivamente la niñez es la cúspide de la creatividad, pues no se está limitado por nada. Los niños son los seres más éticos, transparentes, amigables, espontáneos, amorosos, tiernos, incondicionales y soñadores. Nunca dejan de crear con todo lo que ven, tocan y escuchan. En ese sentido, los creativos deberíamos ser «niños».

Existen muchas técnicas para producir ideas y recuperar la creatividad característica de los niños. Resulta extraño que haya creativos a los que no se les ocurra nada. ¿Tal vez desconozcan la larga lista de herramientas que tenemos a la mano para poder estimular nuestra creatividad?:

• Mapas mentales
• Arte de preguntar
• Brainstorming
• Relaciones forzadas
• Listado de atributos
• Analogías
• Biónica
• Crear en sueños (Sleep writing)
• Método DELFOS
• Análisis morfológico
• Solución creativas de problemas en grupo
• Técnica clásica, fases del proceso creativo
• Relajación
• El pensamiento mediante imágenes: la visualización
• Mitodología. El aprendizaje del proceso creativo a través de los mitos de Grecia y Roma antiguas
• Tabla comparativa entre técnicas de creatividad
• IDEART
• TRIZ (Teoría de la resolución de problemas inventivos)
• CRE-IN.
• 4 X 4 X 4
• Técnica de Da Vinci
• Seis sombreros (sombreros para pensar)
• Provocación
• Programación neurolingüística
• Do it novedad
• Estratal novedad
• Método 635
• etc.

Lo cierto es que un adulto muy creativo es aquel que no ha dejado escapar al niño que alguna vez fue. Cuando entendamos lo que los adultos podemos aprender de los niños, habremos conquistado el mundo de la creatividad. He aquí algunos consejos para tratar de seguir siendo aquel niño creativo: 

1. Adáptate y sé flexible en lo que hagas.
2. Olvídate de las reglas, prejuicios y comportamientos sociales.

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Maestros: Miguel Ángel Buonarroti

MIGUEL ÁNGEL
UNA PASIÓN SIN LÍMITES


"El deber de toda persona es alcanzar continuamente la perfección".

Miguel Ángel Buonarroti. Caprese, 6 de marzo de 1475 – Roma, 18 de febrero de 1564.

Genio, artista, llamado 'El Divino' por sus contemporáneos, es el símbolo del renacimiento y una inspiración para la humanidad.

Un espíritu apasionado que utilizó todos los medios para expresarse: el mármol, la pintura, la arquitectura y la poesía.

Según el propio Miguel Ángel, su gran inclinación artística le venía ya de la nodriza que había tenido, que era mujer de un picapedrero. De ella comentaba: "Juntamente con la leche de mi nodriza mamé también las escarpas y los martillos con los cuales después he esculpido mis figuras".

A los trece años entró al taller del maestro Ghirlandaio con quien permaneció como aprendiz en el arte de la pintura durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médici, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas.

Cuenta Goirgio Vasari, su primer biógrafo, que en una ocasión, Miguel Ángel tomó un pedazo de mármol y se puso a copiar la cabeza de un viejo fauno, escultura antigua ya muy estropeada que tenía la nariz rota y sonreía. Miguel Ángel, que jamás había tocado un pedazo de mármol ni un cincel, la imitó de un modo tan perfecto, que suscitó el asombro de Lorenzo el Magnífico que luego de observar que Miguel Ángel no se había limitado a copiar tal cual esa escultura antigua, sino que le había esculpido la boca entreabierta por la cual asomaban la lengua y los dientes, con su habitual y suave ironía le dijo: "Deberías saber que los viejos nunca tienen todos los dientes, siempre les faltan algunos”. Entonces Miguel Ángel le rompió un diente y cinceló la encía, para que pareciera que se le había caído. Esperó ansiosamente el regreso del Magnífico, que, al volver y ver la sencillez de Miguel Ángel, mandó llamar a Ludovico, el padre de Miguel Ángel, para pedírselo, diciendo que lo quería tener como uno de sus hijos.

En su juventud mostró su profunda admiración por la anatomía, que lo llevó a investigar por sí mismo acudiendo casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana.

 El arte de Miguel Ángel reside en la composición de sus figuras en impetuosos movimientos. Podía visualizar las figuras contenidas en el bloque de mármol y su labor como escultor era la de quitarle al bloque lo que le excedía, es decir descontar lo necesario de él hasta que emerjan esas figuras contenidas en su interior. El propio Miguel Ángel lo expresa con las siguientes palabras: "Vi al ángel en el mármol y tallé hasta que lo dejé en libertad".

Una de sus primeras esculturas fue el Combate de los centauros contra los Lapitas, relieve de mármol (1490), es la primera muestra de un gran talento. Entre 1497 y 1499 realizó en Roma una Piedad en mármol; volvió a Florencia en 1502 donde pintó el Tondo Doni y esculpió su célebre David. En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II, quien le pidió la realización de su sepulcro, y erigió el Moisés y los Esclavos (1515-1516). 

En 1508 el papa le encargó la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, tarea que  aceptó a regañadientes porque no confiaba demasiado en su talento pictórico. Pero en verdad la enorme bóveda es una de las mayores empresas artísticas de todos los tiempos, 900 metros de superficie que lo agotaron mental y físicamente. 

Durante su última estancia en Florencia (1520-1534) esculpió las grandes figuras de la capilla funeraria de los Médici en la iglesia de San Lorenzo: El crepúsculo y La aurora, El día y La noche, dominadas por las estatuas de Julián (La Acción) y de Lorenzo de Medici (La Contemplación). 

Se estableció en Roma en 1534, volviendo a la Capilla Sixtina, donde  trabajó en los frescos del Juicio final. Proyectó la cúpula de San Pedro, e hizo los planos de la plaza del Capitolio de Roma. Los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro manifiestan una ruptura respecto a todos sus predecesores, con la creación de la planta que en el exterior tendría colosales pilastras corintias y la Cúpula sería el punto sobresaliente, ésta cautivó a Miguel Ángel desde 1557 hasta su muerte y contra sus deseos, no llegaría a contemplarla definitivamente acabada. 

Miguel Ángel vivió agobiado y atormentado porque aunque trabajó por encargo para los más poderosos tuvo que soportar estrecheces económicas toda su vida, y decía:"Vivo cansado a causa de los formidables trabajos y perseguido por mil angustias". Se volvió más solitario e introspectivo.

En su vejez, cansado de los hombres y desencantado del mundo, la lozanía y fortaleza de sus composiciones derivó hacia un misticismo desgarrado, que sin embargo para muchos dió como resultado algunas de sus mejores obras.

Referencias:

Giorgio Vasari "Vida de los mejores arquitectos, pintores y escultores italianos"

http://www.sjarre.com.ar/2012/05/la-vida-y-obra-de-michelangelo.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Miguel_%C3%81ngel

http://www.historiadelartemgm.com.ar/biografiamichelangelobuonarroti.htm
http://porelamoralarte.blogspot.com/2012/03/miguel-angel-buonarroti.html
http://www.arteespana.com/miguelangelbuonarroti.htm

Artículo: María Eugenia Guerra Meza

GYORGY KEPES, 

ELEMENTOS PARA UNA GRAMÁTICA VISUAL

Artículo publicado por MARÍA EUGENIA GUERRA MEZA en FORO ALFA

María Eugenia Guerra Meza. Diseñadora gráfica, profesional especialista en Semiótica, con 32 años de trayectoria. Docente e investigadora en la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla, México.

En su obra magistral, 
«El lenguaje de la visión», 
el artista, diseñador e investigador Gregory Kepes, especialista en imagen y percepción, expone sus experiencias en estos campos.

Para Gyorgy Kepes la imagen plástica es un organismo vivo, una totalidad determinada por la conducta de cada una de sus partes, un sistema que sólo alcanza su unidad dinámica a través del equilibrio, el ritmo y la armonía. Considera que la percepción de una imagen es por sí misma un acto creador, pues su experimentación es resultado de la interacción entre las fuerzas externas e internas del individuo, y al sistema nervioso le corresponde organizar los impactos procedentes del exterior.

«La imagen plástica como experiencia dinámica se inicia con la energía lumínica que fluye a través del ojo del espectador y pasa a su sistema nervioso». (Kepes, 1969, Pág. 28)

La energía lumínica de los pigmentos se articula sobre una superficie gráfica, su naturaleza determina la base de las sensaciones de luz y color: el brillo, el matiz y la saturación; su delimitación formal establece la base física para la percepción de superficies y sus formas. Un punto, una línea, una superficie, son fuerzas de atracción visual que existen y actúan sobre el campo óptico, el cual se percibe inseparable de las diferentes unidades visuales presentes, en conjunto, no como unidades aisladas. Todos estos elementos que actúan como fuerzas ópticas de atracción conforman el lenguaje de la visión.

Un valor de brillo o un color pueden intensificarse o disminuirse, dependiendo del resto de las superficies de la composición. Lo mismo es cierto en cuanto a la textura, los tamaños y las formas. Por ejemplo, una forma ligeramente irregular se percibe marcadamente irregular cuando se encuentra entre figuras perfectamente regulares.

Debido a esto, no se puede hablar de cualidades absolutas de color, brillo o saturación, ni de medidas absolutas de tamaño, extensión o forma, pues cada elemento extrae las características de su interrelación dinámica con los demás elementos de la composición. Los márgenes de matiz, valor y saturación y la escala de medida geométrica son mucho más limitados dentro de la superficie gráfica que del mundo visible, por lo que sólo mediante el trabajo creativo, manipulando y aprovechando estas relatividades es que puede crearse una imagen que corresponda a la «vitalidad del mundo visible». (Kepes, 1969, Pág. 29)

Cuando alguien observa un paisaje, personas u objetos en la calle, hace una interpretación espacial de lo que ve: su ubicación, extensión, posición, dirección e intervalos, a partir de establecer una relación consigo mismo; en cambio, el campo visual de una imagen gráfica se limita a las dos dimensiones del plano. En este caso se evalúa cada unidad óptica (dirección, posición, intervalos) de acuerdo a los márgenes; así, los elementos parecen avanzar o retroceder, se mueven a la derecha, izquierda, abajo o arriba, según la posición que ocupan en el plano gráfico.

Al percibir una imagen, inconscientemente se organizan las diferentes sensaciones atribuyéndoles un significado, determinado por las relaciones de los signos entre sí y con respecto a la superficie gráfica.

Kepes expone lo que es importante conocer antes de empezar a utilizar el lenguaje de la comunicación visual: «aprender la mayor variedad posible de sensaciones espaciales inherentes en las relaciones de las fuerzas que actúan en la superficie gráfica», (Kepes, 1969, Pág. 35) ya que así como a partir del limitado número de letras del alfabeto se pueden formar innumerables palabras que expresan significados, también los elementos gráficos y sus cualidades ópticas pueden ser combinados de diversas formas y cada variación posible genera una sensación de espacio diferente y transmite un significado distinto.

La superficie gráfica contiene su propia energía; asimismo el color, el valor, la textura, el punto y la línea irradian diferentes cantidades de energía. Por eso, las líneas rectas o curvas, en relación horizontal, vertical o diagonal con respecto al margen, obligan al ojo a explorar la superficie de una forma determinada de antemano por su creador.

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Maestros: Salvador Dalí

DALÍ UN SOÑADOR INSOMNE 


"A los seis años quería ser cocinera. A los siete quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer; ahora sólo quiero ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí".

Salvador Felipe Jacinto Dalí i Domènech:

España. Figueras, 11 de Mayo de 1904 – Figueras, 23 de Enero de 1989) 

Salvador Dalí fue lo que soñó ser: pintor, escultor, grabador, escenógrafo y escritor y también contribuyó al teatro, cine, moda y fotografía.

Ya a sus 15 años había declarado: "Seré un genio, y el mundo me admirará. Quizá seré despreciado e incomprendido, pero seré un genio, un gran genio, porque estoy seguro de ello."

Uno de los máximos exponentes del Surrealismo, como todo ser humano que se adelanta a su tiempo fue incomprendido y él lo expresa diciendo: "¡No podéis expulsarme porque Yo soy el Surrealismo!"  después de ser expulsado del movimiento surrealista en París en 1939.

Como creador innato e inconforme llegó a utilizar hasta 678 firmas en sus obras.

Dalí fue un hombre de su tiempo y estuvo especialmente influenciado por las teorías de dos grandes pensadores del siglo XX, Freud y Einstein. Dalí mezcló los elementos psicoanalíticos con aspectos del campo de la percepción. En especial, añade algunos fundamentos de la psicología de la Gestalt que estudió, desde principios del XX, los fenómenos fisiológicos y psicológicos que subyacen en la percepción y la relación del sujeto con el medio. Manipulando la imagen, Dalí logra en su obra hacernos partícipes de un delirio perceptivo, una ilusión óptica según la Gestalt, de forma que lo que vemos es tangible e imposible de contradecir. De Einstein acoge las implicaciones del espacio-tiempo relativista cuyas explicaciones escuchó en la visita que el físico hizo a la Residencia de Estudiantes en 1923. Aquella semilla científica dio frutos en su obra "La persistencia de la memoria", donde Dalí pinta la deformación del tiempo, la cuarta dimensión de Einstein.

 La tentación de San Antonio.

 La Persistencia de la Memoria

La última Cena

En sus obras podemos encontrar algunos símbolos recurrentes:
El huevo, que enlaza con los conceptos de vida prenatal intrauterina, y a veces se refiere a un símbolo de la esperanza y el amor.
El elefante con grandes patas,  que crean un sentido de fantasmal irrealidad. 
Fauna: Hormigas como símbolo de muerte, corrupción, y un intenso deseo sexual. El caracol como cabeza humana (había visto un caracol sobre una bicicleta en el jardín de Sigmund Freud cuando fue a visitarle) y las langostas como un símbolo de decadencia y terror.
Su musa Gala, el amor de su vida. Él aseguraba que gracias a ella había evitado la locura y la muerte. 

En 1945 Dalí y Walt Disney iniciaron un proyecto de animación para la producción de "Destino", obra que se concluyó 58 años después y lanzado en 2003 por The Walt Disney Company. La música fue compuesta por el compositor mexicano Armando Domínguez e interpretada por Dora Luz. Fue incluido en el Animation Show of Shows en 2003.

En el siguiente video podrán disfrutar de Dalí, sus obras, su pensamiento y sus locuras.

El 23 de diciembre de 1983 en el Castillo de Púbol por voluntad expresa de Salvador Dalí fue creada la Fundación Gala-Salvador Dalí. Desde el comienzo, Dalí la presidió y dirigió directamente. Con su muerte, el 23 de enero de 1989, se inició un período de transición hasta que en el año 1991, el Patronato de la Fundación nombró a Ramon Boixadós i Malé presidente de la entidad.
La Fundación Gala-Salvador Dalí gestiona los siguientes museos y sus exposiciones permanentes:

• Teatro-Museo Dalí, en Figueras
• Dalí-Joyas, en Figueras
• Casa-Museo Salvador Dalí, en Portlligat
• Casa-Museo Castillo Gala-Dalí, en Púbol

http://www.salvador-dali.org/

http://thedali.org/home.php

http://laformuladelapiz.wordpress.com/tag/dali/

http://www.juancarlosboverihistorias.com/2011/09/dali-y-gala.html

http://www.tiawitty.com/2011/01/las-678-firmas-de-dali.html

Nota: Las fotografías de Dalí pertenecen al fotógrafo Philippe Halsman (Rusia 1906 - New York 1979).
http://philippehalsman.com/

Artículo: Norberto Chavez

DIEZ PRINCIPIOS DEL DISEÑO GRÁFICO

Artículo publicado por NORBERTO CHAVEZ en FORO ALFA





Norberto Chaves, Argentina (1942)
Asesor en Identidad Corporativa, ensayista y docente en cursos de posgrado y eventos de arquitectura, diseño y comunicación.



Versión sintetizada, a modo de decálogo

1. Convencionalidad

El signo debe configurarse conforme alguna combinación de los códigos gráficos culturalmente vigentes. La idea de «nuevos lenguajes gráficos» resulta absurda: si  un lenguaje es nuevo, no se entiende.

2. Ocurrencia

La ocurrencia compensa la convencionalidad al darle relevancia al mensaje. Pero el grado de atipicidad necesario no siempre es el máximo posible. Cada caso requiere un grado de ocurrencia diferente.

3. Eficacia

El signo ha de cumplir, como mínimo, todas las funciones para las cuales ha sido creado. Valores, como por ejemplo la estética, no pueden subordinar la eficacia del comunicado gráfico sino, por el contrario, potenciarla.

4. Propiedad

El signo debe inscribirse en el paradigma identitario de su emisor. No basta con la firma: el comunicado mismo debe identificar al emisor. La identidad no consiste en hablar del emisor sino en hablar como él.

5. Respeto

Tal como sucede con el emisor, la gráfica debe ajustarse y respetar los códigos del receptor. Se habla para él, para que él entienda.

6. Pertinencia

El signo debe ajustarse al registro del vínculo comunicacional que se entabla entre emisor y receptor. Solo conociendo ese vínculo, es posible establecer el tono adecuado que cada ocasión amerita.

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Site de Norberto Chaves: http://www.norbertochaves.com/

Maestros: M.C. Escher

ESCHER Y SU MUNDO IMAGINARIO

"Entonces déjennos intentar escalar la montaña, no pisando sobre lo que hay debajo de nosotros, sino que impulsándonos hacia lo que hay sobre nosotros, por mi parte en las estrellas. Amén"

Maurits Cornelis Escher: Leeuwarden, Países Bajos, el 17 de junio de 1898 - Hilversum, Países Bajos, 27 de marzo de 1972. 

Más conocido como M.C. Escher, es uno de los más grandes artistas y diseñadores del siglo XX. Su obra, que desafía los modos habituales de representación, la conforman las figuras imposibles, las teselas y los mundos imaginarios realizados en grabado en madera, xilografía y litografía.

Para los matemáticos: fue un artista, para los artistas: fue un matemático.

Escher resulta difícil de clasificar como artista. Se han hecho múltiples interpretaciones de sus obras, pero la realidad es que Escher plasmaba lo que le gustaba: soluciones a problemas matemáticos, juegos visuales y guiños al espectador. Visiones, en ocasiones, que le sobrevenían por las noches, que pasaban por su imaginación y que creía merecedoras de ser plasmadas en sus cuadros.

El análisis de sus obras, tal y como definió Bruno Ernst, uno de sus biógrafos y amigo personal, permite clasificarlas básicamente en tres temas y diversas categorías: 

• La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.
• La estructura de la superficie – Metamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.
• La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.

Características generales de su obra:

• Juegos visuales.
• Utilización del blanco y el negro (en la mayoría).
• En las imágenes en blanco y negro, el juego de luces y sombras es el principal protagonista, así como las texturas de las cosas que ayudan a diferenciar las formas.
• Dualidad, búsqueda del equilibrio y simetría.
• El infinito frente a lo limitado.
• Figuras imposibles.
• Fondos reticulados con diversos patrones.
• Mundos imaginarios.
• Ilusiones ópticas.
• Sorpresas ocultas.
• Impresión de espacios sin límites.
• Sensación de normalidad dentro de lo anormal o imposible.
• Cuerpos platónicos, cintas de Möebius, geometría hiperbólica, etc.
• Sustitución de los sólidos principios tradicionales por nuevas leyes y extraños principios geométricos.
• Espacios paradójicos que desafían a los modos habituales de representación.
• Ciclos, Metamorfosis, Teselaciones y Traslaciones.

Escher no basó su trabajo en los sentimientos y siempre buscó crear su propio universo. Evitando utilizar elementos de obras anteriores (excepto en los encargos).

  

Aun así, podemos encontrar en sus obras temas recurrentes: la dualidad por medio de imágenes reversibles y la búsqueda del equilibrio, la utilización del blanco y el negro, la simetría, el infinito frente a lo limitado.

A continuación va una selección de sus obras en la que se puede apreciar la diversidad y creatividad ilimitada de Escher.

MOEBIUS: La banda o cinta de Möbius (/ˈmøbiʊs/) o Moebius (/moˈebius/) es una superficie con una sola cara y un solo borde. Tiene la propiedad matemática de ser un objeto no orientable. También es una superficie reglada. Fue descubierta en forma independiente por los matemáticos alemanes August Ferdinand Möbius y Johann Benedict Listing en 1858.

TESELADOS: Un teselado es una regularidad o patrón de figuras que cubre o pavimenta completamente una superficie plana que cumple con dos requisitos: 1. Que no queden huecos y 2. Que no se superpongan las figuras.
Los teselados se crean usando transformaciones isométricas sobre una figura inicial.
Distintas culturas en el tiempo han utilizado esta técnica para formar pavimentos o muros de mosaicos en catedrales y palacios.

FRACTALES: Los fractales son objetos que presentan formas repetitivas en diferentes órdenes de magnitud. Algunas de las características principales de los objetos fractales son: dimensión fraccionaria, compleja estructura a toda escala, bifurcación infinita y autosimilitud.
"Para mí sigue siendo una cuestión abierta si pertenece al ámbito de las matemáticas o al del arte". M.C. Escher

METAMORFOSIS: Es un proceso por el cual un objeto o entidad cambia de forma. Transformación-Metamorfosis: Cambio irreversible.

ESFERAS:

ESCALERAS IMPOSIBLES:

EL OJO DE LA MUERTE:

A lo largo de su carrera, Escher realizó más de 400 litografías y grabados en madera, y también unos 2.000 dibujos y borradores. De muchos existen decenas de reproducciones, cientos e incluso miles de otros. Un grupo importante está expuesto de forma permanente en el Museo Escher en La Haya, Holanda.

Escher ha sido y sigue siendo fuente de inspiración para innumerables creadores de todas las áreas: pintores, diseñadores, arquitectos, animadores digitales, directores de cine, publicistas y hasta artistas del tatuaje.

A continuación les dejo uno de los tantos videos inspirados en su obra:

Referencias:

www.mcescher.com
http://www.mcescher.net/
http://historialdedisenio.wordpress.com/2008/08/12/el-estilo-de-escher
http://es.wikipedia.org/wiki/Maurits_Cornelis_Escher
http://www.microsiervos.com/archivo/arte-y-diseno/obras-favoritas-mc-escher.html